Xingu: Reflexiones indígenas en el diseño contemporáneo
La mañana se desarrolla lentamente en la aldea de Kaupüna , hogar de los Mehinaku , uno de los dieciséis grupos indígenas del Territorio Indígena Xingu , ubicado en Mato Grosso, Brasil. La fresca tierra roja está marcada por las danzas infantiles del día anterior, mientras el humo se riza de las fogatas donde se prepara beiju , un pan delgado y redondo hecho de yuca. Su aroma se mezcla con la dulzura de las semillas trituradas de urucum utilizadas para la pintura corporal, una planta que también tiene un valor protector y ritual. Las hamacas se mecen a la sombra, tejidas con fibras de palma buriti que captan la luz temprana. Este árbol sagrado proporciona no solo fibras para tejer, sino también alimento, sombra y significado espiritual, anclando muchas de las prácticas diarias y ceremoniales de los Mehinaku.
Hoy en día, los Mehinaku cuentan con unas 500 personas. Viven en armonía con sus ríos y bosques, transmitiendo rituales, historias y artesanías que nutren tanto la memoria como la comunidad. Para ellos, la artesanía es inseparable de la vida; una estera, una cesta, un banco o una hamaca nunca son solo objetos, sino una extensión del parentesco, el territorio y la cosmología.
Cada gesto conlleva conocimiento: el momento preciso para cosechar la palma de burití , la presión de las fibras retorcidas en un muslo y el paciente secado de la madera antes de tallarla. Estas habilidades representan hilos de conexión: entre generaciones, entre cuerpos y paisajes, y entre lo visible y lo invisible.
Sin embargo, es precisamente ante semejante escena que surge el riesgo de una mala interpretación. La belleza del Xingú —sus sonidos, colores y gestos— puede ser fácilmente idealizada o exotizada por observadores externos. Durante siglos, el diseño y la historia del arte han extraído las prácticas indígenas como inspiración estética, catalogándolas como artefactos o idealizándolas como tradiciones intactas. En ambos casos, se niega a los pueblos indígenas su existencia actual y a menudo se les representa como anclados en el pasado o transformados en figuras lejanas y simbólicas.
Sin embargo, los mehinaku viven plenamente en el presente. Su sociedad se sustenta no solo en la artesanía y los rituales, sino también en sistemas políticos y económicos que garantizan la autonomía en el Alto Xingu. En el ámbito económico, se mueven con fluidez entre prácticas de subsistencia, como la pesca, la agricultura y el tejido, e intercambios más amplios, como la venta de artesanías o la participación en colaboraciones que generan ingresos y a la vez fomentan el orgullo cultural.
Por lo tanto, la vida mehinaku no puede reducirse a la mera tradición o estética. Es un sistema vivo de conocimiento: una interacción dinámica de gobernanza, economía y cultura, arraigada en el territorio, pero sensible al mundo exterior.
Rastreando historias
Entre quienes han venido a aprender y colaborar con los Mehinaku se encuentra la diseñadora Maria Fernanda Paes de Barros , fundadora del estudio Yankatu . Movida por un profundo respeto por el conocimiento ancestral, su obra busca conectar el diseño con la narrativa, la memoria y la reciprocidad.
Yankatu es más que un simple estudio de diseño; sirve como plataforma para el diálogo y la conexión. Nació con el deseo de escuchar y rastrear los sutiles hilos que unen a personas, lugares y tradiciones. En sus inicios, cada mueble que creaba iba acompañado de un pequeño cuaderno llamado «alma». Este cuaderno contenía reflexiones sobre la artesana, la inspiración detrás de la pieza y las raíces culturales ligadas al objeto. Algunas páginas se dejaron en blanco intencionalmente, invitando a los nuevos propietarios a continuar la historia a su manera, transformando cada pieza no solo en una posesión, sino en una narrativa compartida.
En 2019, Maria Fernanda conoció a Kulikyrda Mehinaku en SP-Arte, São Paulo, y de ahí surgió una profunda conexión centrada en el diseño y la artesanía. Kulikyrda Mehinaku es un respetado líder cultural y artista que desempeña un papel vital en la preservación y difusión de las tradiciones de su pueblo.
Este intercambio inicial resultó en una invitación para que María Fernanda visitara Kaupüna, la aldea de Kulikyrda, donde presenció un ritual femenino que subrayó la importancia de la reciprocidad en la colaboración. En Kaupüna, conoció una vibrante comunidad de artesanos y un rico y vivo sistema de conocimiento.
El gesto de Kulikyrda fue más que una simple hospitalidad; fue un acto de apertura cultural, basado en la confianza y el respeto mutuo. Junto con Stive Mehinaku, artesano y diseñador de Kaupüna, Maria Fernanda creó la colección Xingu, que incluye cestería, muebles y esteras.
Durante su estancia en territorio Mehinaku, María Fernanda aprendió de las mujeres que tejen con palma de burití. Se dio cuenta de que su artesanía sirve de puente entre la memoria y la vida cotidiana, así como entre la herencia ancestral y las necesidades contemporáneas.
Colores del bosque
A medida que se profundizaba el intercambio entre las mujeres mehinaku y la diseñadora Maria Fernanda Paes de Barros, surgieron nuevas dimensiones, no solo en la forma, sino también en el color.
Las mehinaku ya poseían un profundo conocimiento de los pigmentos naturales extraídos de plantas como el azafrán, el achiote y el genipapo, utilizados tradicionalmente para teñir fibras e hilos de burití. La visita de Maria Fernanda no les introdujo en esta sabiduría; en cambio, abrió un nuevo capítulo centrado en la exploración del potencial sin explotar de otros elementos del bosque —corteza, hojas y raíces— como fuentes de tintes naturales.
Para María Fernanda, traer hilos de algodón teñidos con pigmentos naturales fue más que un gesto simbólico: fue una invitación a experimentar y colaborar. Estos hilos teñidos naturalmente no solo insinuaron nuevas posibilidades estéticas, sino que también ofrecieron una vía práctica para generar mayor autonomía económica y creativa dentro de la comunidad. Al llegar a Kaupüna, los vivos colores no solo deleitaron la vista de las artesanas: despertaron su curiosidad y reflexión, instando a las mujeres a reexaminar los colores que ya existían en su entorno. Rodeadas de un paisaje rico en variedad tonal, comenzaron a preguntarse: ¿qué otros matices podría albergar el bosque, esperando ser revelados?
Para apoyar esta exploración, Maria Fernanda invitó a Maibe Maroccolo, fundadora de Mattricaria y especialista en tintes botánicos derivados de biomas brasileños, a desarrollar primero los colores en su estudio y luego a impartir talleres en la aldea, compartiendo sus hallazgos. Juntas, recolectaron elementos naturales del entorno y los transformaron en color mediante prácticas intuitivas como la ebullición y el remojo.
Entre las fuentes recolectadas se encontraban las raíces de árboles tradicionalmente utilizados para construir las ocas (casas) de la comunidad, como la pindaíba, la copaíba, la embira y la canela. El resultado fue una paleta de colores nacida del bosque: doce tonos creados en armonía con la tierra. Esta renovada exploración del teñido natural fortaleció su conexión con el bosque, amplió el conocimiento ancestral y se convirtió en un acto de afirmación cultural: una forma de escuchar con mayor atención las silenciosas ofrendas de la tierra.
